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经典重读【意大利文艺复兴时期的美术作品】续
发布时间:2019-08-11

  曼泰尼亚在30岁时移居维罗纳,成为这个地区的艺术界主宰,他以后的岁月就在这里度过。《巴那斯山》是大师65岁时的作品。巴那斯山是阿波罗率领的文艺女神居住的地方。太阳神阿波罗既主宰光明又主管文艺,他本身也是音乐神。据说神使赫耳墨斯生下来不久,因偷吃了阿波罗的牛被发觉,赫耳墨斯只好将自己做的龟背六弦琴交给阿波罗以偿偷牛的罪,宙斯发现阿波罗会弹琴,就把自己九个司文艺女神缪斯交给阿波罗领导,他们就住在巴那斯山,终日唱歌跳舞、吟诗作画,巴那斯山也就成了文艺的发源地。画家以大自然作为环境,描绘了众文艺神纵情歌舞的欢乐生活,高居画面上部的是众神之王宙斯和朱诺,左边手持弓箭的小爱神与山洞边那个冶炼神瓦尔刚相呼应,下角那位怀抱竖琴的是阿波罗,他正在为缪斯女神起舞伴奏,而右边与飞马相伴的、穿着一双带羽翼的靴子亦称飞毛腿的就是神使赫耳墨斯,他手执和平之杖,来无影去无踪。画中诸神皆为宙斯子女,所以构成一幅以宙斯为主体的神族。画家只是借神话题材运用丰富的色彩描绘自然美、人体美与人间的欢乐场面。

  安德烈·曼泰尼亚,约1489年,布面胶画,68x81厘米,布雷拉画廊,米兰

  曼泰尼亚喜欢从不同角度去描绘对象的透视关系,他选择了难度最大的透视比例缩短,精确表现人物的平面透视关系,最难莫过于这幅《死去的基督》,以正面纵向透射在画面上。画家并不是着意于哀悼基督,而是着力描绘人体平面缩短透视形态,这是绘画中人们极力回避的画法,可见画家是作为一种透视研究而作的。

  曼泰尼亚生于维琴察附近的帕都亚,1506年9月13日卒于曼图亚。曼泰尼亚严格说来不能说是佛罗伦萨画派,但因为帕都亚属于佛罗伦萨的势力范围,为方便起见也把他归入佛罗伦萨画派。其早期作品的代表为帕多瓦埃雷米塔尼教堂的奥韦塔里礼拜堂壁画(1459),尤以其中表现圣詹姆士生平的两幅著称。壁画完全从观众角度,以仰视面构成全景,古典器物的刻画,达到考古学的精确,大胆的构图与精密写实相配合,被称为新美术中的异军突起。

  1460年后,曼泰尼亚主要为曼图亚的贡扎加公爵府作画,其中以婚礼大厅的壁画(1473~1474)最为著名。包括数幅表现公爵宫廷的宏大构图,以及一幅首次从地面仰视角度描绘的屋顶天井画,画中可见蓝天白云和各类透视缩形的天使形像。他所绘壁画对16世纪绘画和巴洛克美术都有深远影响,他的祭坛画和铜版画也享有盛名,如《死去的基督》。

  曼泰尼亚的作品最有名的是这幅《死去的基督》。这是从脚的方向来画基督的尸体的作品,但它的描绘是多么正确啊!构图也出人意外,特别是对那强烈的似乎向人逼迫的巨人式的气魄,使人折服。决心把站在旁边的玛利亚和抹大拉,画成满脸皱纹的老太婆,也完全是破天荒的画法。他作的艺术之神云集的《帕纳苏斯》,也是一幅堂皇壮丽的大作,受到人们的尊敬。

  Lamentation over the Dead Christ, Andrea Mantegna, c.1489, Distemper on canvas, 68 x 81 cm, Pinacoteca di Brera, Milan安德烈·曼泰尼亚在其同时代艺术家中负有盛名,因为他对古典母题充满了研究古文物般的热情,同时他采取的复杂的前缩画法充满创新。曼泰尼亚喜欢将画布撑起来,这在当时也很不一般。就像这幅画一样,他用动物凝胶与颜料混合在一起形成胶体,并以之作画,最终作品有着亚光、湿壁画一般的效果。这幅死去的基督令人震惊,是曼泰尼亚死后人们在他的工作室里面发现的,因此作品日期也有争议。曼泰尼亚有意缩小了基督的脚,放大了他的头,创造出一种更加易于辨识的、高雅的构图。基督的身体有一种病态的青白色,手和脚上的钉眼真实可信。左边,心烦意乱的圣约翰绞着双手;圣母玛利亚脸颊消瘦,正在抹去自己的泪水;抹大拉的玛利亚则几乎看不到。基督身下的葬礼石板,又叫涂油石板,上面的红色大理石花纹处理完美,它非同寻常,十分突出,这也许反映了这件广为人知的古典遗物遗失到了朝圣者手中,在1453年,突厥人贡献了君士坦丁堡。画面中体现了质朴的现实主义,观者和基督身体之间的十分接近,让人对基督的受难和牺牲产生深切的移情作用。

  《春》波提切利历史上不少诗人颂赞美神维纳斯。美第奇宫廷诗人波利齐阿诺说:维纳斯漫步在月光下,如皇后般庄严,如春风般和煦,她走过的路上,万物萌发,鲜花盛开。神话中的维纳斯是美丽的象征;也是一切生命之源的化身。波提切利笔下的维纳斯是代表生命之源的女神。画面左上方是风神,他拥抱着春神,春神又拥着花神,被鲜花装点的花神向大地撒着鲜花;画面中间立着女神维纳斯,在她头顶处飞翔着手执爱情之箭的小爱神丘比特;维纳斯的右手边是三美神手拉手翩翩起舞,她们分别象征“华美”、“贞淑”和“欢悦”,给人间带来生命的欢乐;画面的右下方是主神宙斯特使墨丘利,他有一双飞毛腿,手执伏着双蛇的和平之杖,他的手势所到,即刻驱散冬天的阴霾,春天降临大地,百花齐放,万木争荣。这是一幅描绘大地回春,欢乐愉快的主题。然而,画中人物的情态,画面并无欢乐之气氛,像春天里吹来一阵西北风,笼罩着一层春寒和哀愁;若有所思的维纳斯,旁若无人,进入自己的内心世界;三美神的舞姿似乎是受命起舞,颇有逢场作戏的感觉,令观赏者不解。自文艺复兴始,人文主义精神渗入文艺创作,画家往往借助于宗教神话题材和神的形象,寄托自己对社会、自然和人生的思想情感,传达自己的理想,在波提切利所塑造的艺术形象中,都寓含着对现实的惶恐不安。画家当时体弱多病,抱病从命作画,这种心境所创造的艺术形象自然也就忧郁哀伤了。

  《玛尼菲卡特的圣母》波提切利圣母是耶稣的母亲,也就是神的母亲。她的儿子耶稣命中注定要受到人间最残酷的极刑,而耶稣深知自己未来的命运。因此圣母子这个宗教题材一直为历代画家所描绘,借以传达最崇高最悲壮的情操:慈爱、痛苦、尊严、牺牲和忍受交错地混和在一起。在这幅圆形构图内天使们围绕的圣母怀抱着的小耶稣,其中两位天使分列两侧对称式举起金冠,顶部的圣灵金光洒射在人物的头上,另外的天使手捧墨水瓶和圣经,由着圣母蘸水书写,从空隙处远望一片金色平静的田野。人物形象充满着波提切利特有的“妩媚”神态,整个画面没有欢乐,只有庄重、严肃和哀怨,这预示着耶稣未来的悲惨命运。波提切利的人物造型,以非常优雅的、比例适度的、完美而富有古代希腊雕刻美感而与众不同。在艺术语言上,继承发展了他的老师利皮善于运用流畅和谐的线条造型,形成高度完美的表现形式和艺术技巧。

  《帕拉斯和肯陶洛斯》波提切利,约1483年,207x143cm, 布 蛋彩取材于希腊神话故事:宙斯劫夺欧罗巴来到克里特岛生了两个儿子,一个叫弥诺斯,成了克里特王,他娶了帕西淮为妻,不安分的帕西淮和一头公牛偷情生下一个人牛各半的怪物肯陶洛斯,后被关进迷宫以避丑闻,弥洛斯令战败国雅典每七年要向克里特进贡七对童男女供肯陶洛斯吃掉,这幅画就是描绘帕拉斯捉拿肯陶洛斯情景。文艺复兴时期的画家尚不能从神灵控制下摆脱出来,因此只能借用神话宗教题材来描绘自己对现实生活的认识和理解,借以传达自己对世界、人生的看法和态度。这幅画是对惩恶扬善的赞颂。画中既发挥了写实造型功夫又具装饰性,画家以线造型为主,同时介入光暗法,人物形象苗条修长优美,衣着风动飘逸,繁复的裙纹形成线条的流动节奏变化美感,贴身的衣褶紧裹着的身体已显示出妩媚多姿的人体美。画家重形式结构美,忽视对人物之间内在精神联系的刻画,因此十分完美而不太动人。

  《维纳斯的诞生》波提切利这幅画中情节和形象塑造是依据美第奇宫廷御用诗人波利齐阿诺的长诗。诗中描述维纳斯从爱琴海中诞生,风神把她吹送到幽静冷落的岸边,而春神芙罗娜用繁星织成的锦衣在岸边迎接她,身后是无垠的碧海蓝天,维纳斯忧郁惆怅地立在象征她诞生之源的贝壳上,体态显得娇弱无力,对迎接她的时辰女神和这个世界毫无激情,不屑一顾。这个形象告诉观赏者,女神是怀着惆怅来到这充满苦难的人间的。这种精神状态正是画家自己对现实态度的写照。《维纳斯诞生》还有另一层涵义。当时在佛罗伦萨流行一种新柏拉图主义的哲学思潮,认为美是不可能逐步完善或从非美中产生,美只能是自我完成,它是无可比拟的,实际上说的就是:美是不生不灭的永恒。画家用维纳斯的形象来解释这种美学观念,因为维纳斯一生下来就是十全十美的少女,既无童年也不会衰老,永葆美丽青春。维纳斯的造型很明显是受古希腊雕刻中维纳斯形象的影响,从体态和手势都有模仿卡庇托利维纳斯的痕迹,但是缺少古典雕像的健美与娴雅。这种造型和人物情态实际上成了波提切利独特的艺术风格。

  这个寓言故事,取材于古希腊画家阿贝列斯的一幅画中的文字记载,波提切利将之重新构思创作而成。画面类似一幕舞台剧:在一座庄严而神圣的罗马建筑大厅里,视觉中心有三个女子和一个男子,正把一位裸体男青年拖到国王面前审判。被黑色风衣包裹着的男子是“诽谤”,他的手势伸向国王,竭尽诽谤之能事;手持棍棒,揪着裸体男子的正是“叛变”,她出卖了同伴,并把他交给国王;裸体男青年是孤立无援的“无辜”,他合掌向上祈求真理能拯救他免遭诽谤的命运;后面两个女子,一是“虚伪”,另一是“欺骗”,也有说是“妒嫉”和“仇恨”,她们俩正在为“叛变”者梳理头发;在宝座上坐着一位长着两只驴耳朵的国王,昏庸无能,愚蠢无知到极点,听信诽谤,同时在他两边分别是“无知”和“轻信”,不断地向他的耳朵里灌输无知和轻信;画面的另一边站着一位被黑色长袍包裹着的“悔罪”,他正向着立在身后的体女神,那就是“真理”,希望她能出面拯救“无辜”者。可是站立不稳的真理,手指上天,意思是说:“对于这里所发生的一切我也无能为力,去找上帝吧。”这幅画寓意十分深刻。它告诉人们,人间的一切罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的,统治者听信坏人之言,正直好人总是落难,而面对这一切,真理也是无能为力的,这就是社会现实。画家在形象塑造方面,使用对比的手法以加强戏剧效果。背景的建筑物由直线和拱形曲线构成,廊柱壁面镶嵌着古罗马圣者和英雄的浮雕,显得神圣而庄严,可是就在这神圣的地方,无辜者和真理受到当权者公然无耻的摧残和伤害;真理和无辜者以裸体表现而一切坏人皆以华丽的锦袍包裹,显示真理与无辜者的纯洁美好,画面人物组合靠手势动作发生互相联系,形成一个完美和谐的艺术整体。

  《依赛克的牺牲》雕刻家基贝尔蒂佛罗伦萨洗礼堂总共有三扇以浮雕为装饰的青铜大门。早在两代人以前安德列·彼萨诺于1336年为这座洗礼堂制作了第一扇青铜大门的浮雕。另两扇因无财力而搁浅。1401年又在羊毛商行会的资助下重建,为此在雕刻家中举行一次设计竞赛,参赛者中有大建筑家兼雕刻家勃鲁内列斯奇·奎尔查和基贝尔蒂。终以20岁的青年雕刻家基贝尔蒂一举夺魁。《依赛克的牺牲》就是基贝尔蒂参赛的获胜作品。圣经《旧约》中说,上帝令亚伯拉罕在人间替他行道,并使他家业大兴,得一子取名依赛克。一天,上帝命亚伯拉罕将爱子献祭给上帝,此浮雕正是描绘亚伯拉罕刚要举刀砍杀儿子的头的瞬间,天使突然飞临,告诉他这是上帝对他虔诚的考验。基贝尔蒂所作浮雕以优美、流畅和光洁取代了勃鲁内列斯奇浮雕所强调的气势和力度。他尽量减弱题材本身所包含的恐怖内容。浮雕中的亚伯拉罕,以哥特式 S形雕像造型,轻微地扭动着身体,他虽手执尖刀,却不像真要杀子;浮雕中的依赛克,昂首挺胸跪立,姿态十分坦然。人体塑造细腻生动,使人们联想到古希腊的雕刻。因此,人们一致认为这是自古希腊以来,第一个真正体现希腊古典理想美的裸体雕像。

  《大卫》雕塑, 多纳太罗公元前10世纪以色列希律王在位时,非利士人兴兵入侵,有个武士叫哥利亚,身高8尺,手持巨戟,出阵40天,以色列人不敢迎战。一日,少年大卫去看望在军中服役的兄长,听说哥利亚如此飞扬拔扈,很伤自尊心,他坚决要求希律王同意他出阵杀死哥利亚以雪以色列人的耻辱。无能的希律求之不得。大卫出阵后,大吼一声,随即用甩石机击中哥利亚的头。被击昏的巨人倒地,大卫机敏地拔出利剑割下哥利亚的头。多纳太罗雕塑的少年大卫正是表现这一情节。着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品,在黑暗的中世纪已经消失,所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世,实在是惊世骇俗之举。裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来,开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河,奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准;它的姿态遵守“重心转移”的造型规律,显得放松而自然。《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态,他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。这种对人类自身价值的发现和认识,正是文艺复兴的根本精神。

  《访问圣母》群雕这是一组群雕,表现虔诚地跪拜圣母的情节。15世纪的佛罗伦萨艺术创作中,现实主义逐渐占统治地位,艺术家们以自身对人的思想感情去对待神灵,把神从神坛上请到人间,与人同形象、同思想、同感情。这正是文艺复兴的根本指导思想--人文主义。在这尊雕刻中,我们看不到一点神性,只见一位虔诚的、心地光明的老人,在祈求一位少妇对自己的宽恕。圣母与老者的目光手势相对相拥,深刻地传达了内心的情感,人物的形体塑造和精神传达和谐一致,情态十分感人。中世纪那种生硬、僵直的造型和呆滞渺茫的目光已经消失,人真正代替了神。

  《吹小号的人们》人物形象的塑造和人物之间的动态关系十分生动真实,且富有情趣;人物表情尤为动人:用心托着长喇叭的两个孩子有不同的吹喇叭情态,一个因人矮而踮起脚,尤其前景两个跳舞的孩子,一个挺胸,一个弯腰,艺术家没有对现实生活的入微观察和动态写生是难以雕刻的。孩子们圆润柔软的肌体和因运动而引起的飘逸衣裙,赋予了坚硬的石头以鲜活的生命。

  《赫拉克勒斯与安泰乌斯》青铜雕塑波拉尤奥罗 约16厘米高波拉尤奥罗在作品中偏爱表现人体的各种动态,越激烈越喜爱,他选择了赫拉克勒斯与安泰乌斯的决斗作为雕塑题材。在希腊神话中赫拉克勒斯是个半神,他神通广大,力大无比,安达伊奥斯是大地女神之子,只要他立足于大地母亲的身,就力大无穷。所以赫拉克勒斯必须竭力把他举离大地才能战胜他。《赫拉克勒斯与安泰乌斯》为青铜雕塑,只有约16厘米高,雕塑虽小,却表现了两个巨人之间拼死搏斗的巨大力量。雕像表现了赫拉克勒斯智胜敌手的最后瞬间,即赫拉克勒斯双臂有力地抱起安泰乌斯,后者则仰首挣扎嚎叫。这组雕像第一次使人体摆脱了底座的约束而飞舞在空中。群雕中两个人体紧紧地扭抱在一起,既表现了力的抗衡,也表现了人体运动对立统一和变化。由于青铜质感反射出来的光影效果,使整个群雕的紧张动态及流畅的块面变化更加动人。

  《柯科列奥尼骑马像》在意大利雕塑历史上有三座杰出的骑马肖像:一是古罗马皇帝的《奥利略骑马像》,奥利略是帝国衰落时的帝王。整个形象笼罩着失望与惆怅、反映低沉与彷徨的情调;二是多纳太罗雕的《加塔梅拉特骑马像》,他是位英雄、统帅,他驾驭座骑在漫步健行,一只马蹄正踩着一个圆球,那是象征世界权威的标记。将军以绝对的权威制约着骏马和周围空间;三是委罗基奥创作的《柯莱奥尼骑马像》,柯莱奥尼是位有名的雇佣军队长,1475年去逝,留下一大笔钱给威尼斯共和国,要求为他塑一座骑马像,安置在威尼斯的圣马可广场上。委罗基奥所雕的马已与前代大师不同,他的一条腿已离开地面,以雄健的步伐跨向空间。雕塑家以不寻常的手法,将马的前进与骑马者的遏制这两种力量和谐地统一起来,整个艺术形象具有弓在弦上的巨大冲击力。这座纪念碑式的骑马像,仍然来自与《大卫》同一种理想——行动中的人。

  意大利中部和南部宫殿建筑15世纪的意大利由于新的统治者和商人、有产者的富足,大兴土木为自己建造了城堡式的宫殿,这些15世纪的宫殿建筑在相当的程度上还保持着中世纪的风格。这些建筑常常坐落在狭窄的街道上,有时观者对宫殿的正面甚至很难一目了然。意大利的宫殿正面一般分为三层,外壁通常是用粗重的石头依照森严而宏伟的公侯式的宫殿来建造的,这种粗面砌石的装饰多了时代的新样式。这类常常具有独立意义的宫殿的正面被装饰得富丽豪华,是主人用以在市民面前炫耀自己的富有的。在宫殿建筑的内部,配置着带有圆柱的宽敞的庭院,庭院和某些房间的样式是对称的,它表现出构造匀称和完整。在宫殿样式的创造中,米开洛佐·迪·巴托罗缪(1396-1472年)和朱利亚诺·迈阿诺(1432-1490年)是杰出的代表。

  画家介绍乔托 (1267—1337年)乔托·迪邦多内出生于佛罗伦萨北方山区韦斯比亚诺的农民家庭。少年乔托为了打发时间,经常在石头上描画自己放牧的山羊。有一天,佛罗伦萨大画家契马布埃经过村道发现了他的才能,于是说服了他的父母,将他收为自己的徒弟。后来,乔托的技艺很快超过了老师。乔托青年时代居罗马,从师过罗马画派领袖彼得·卡瓦里尼,曾为圣彼得柱廊大厅做过大量的镶嵌艺术品;36岁移居帕多瓦城,在那里创作了著名的阿雷纳教堂耶稣故事壁画,几乎所有画面,都贯穿着统一的蓝色天空色彩,在下面塑造出一排富有寓意性的人物形象——仁慈、智慧、贪婪、背叛、固执、等。据说诗人但丁正于此时被教会永远逐出佛罗伦萨,流落到帕多瓦,乔托热情地接待了他。意大利的权贵们千方百计争着这位佛罗伦萨大师为他们服务,而乔托从不违背自己意愿,我行我素,在全国漫游,他到处留下自己的艺术种子,推动着人文主义艺术的发展。乔托最后的20年是在佛罗伦萨度过的,在他67岁高龄时,佛罗伦萨市政厅指定“大师乔托”领导建造大教堂独立式钟楼,可惜生前只建造起一层,后由弗朗切斯科·塔兰蒂完成,当今仍堪称佛罗伦萨最优秀的古建筑,与圣玛利亚大教堂并列。乔托绘画的创新意义,在于发明了一套直接观察自然,以再现客观现实的绘画实验方法,开创了绘画早期的科学时代。他所塑造的宗教人物犹如雕像般的浑厚,个个都是有血有肉有人情味的世俗男女,不再是中世纪的幽灵;在画面艺术处理方面,力求在平面上再现立体空间的效果,空间具有空气感和深度感,画中形象具有体积感和量感;在人物安排上,善于突出主体形象,具有视觉的吸引力,这种艺术处理的方法,成为后来欧洲绘画的典范。乔托是公认的使西方美术摆脱中世纪美术程式的第一人,从而成为开创写实画风的鼻祖,被誉为欧洲近代绘画之父。法布里亚诺 (1370—1427年)真蒂莱·达·法布里亚诺,是与马萨乔同一时期活跃于佛罗伦萨的画家。他1423年所作《三圣贤的朝拜》祭坛画,是被公认为国际哥特式风格绘画的杰作之一。画家旨在渲染华丽而辉煌的画面气氛和富有装饰性艺术效果。在画中已尝试透视的空间处理,画面呈现出近景、中景和远景,画中人物是盛装的国王、朝臣、侍从以及牛马羊动物,整个画中人物、动物、环境色彩丰富且金碧辉煌。实际上是描绘中世纪骑士礼仪的豪华场面,借以美化和赞颂贵族对圣母子的虔诚感情。皮萨内洛 (1395-1455年)安东尼奥·皮萨内洛出生于维罗纳,活跃于帕多瓦和威尼斯。他把“威尼斯--哥特样式”绘画所具有的那种鲜明、甜美的风格发展到了顶点。皮萨内洛年轻时曾和帕多瓦的绘画大师秦蒂利共同绘制过威尼斯总督宫的壁画,后来又接受秦蒂利死后留在罗马未完成的壁画制作。他用多年的经历为圣达拉斯达亚教堂作壁画《圣凯奥尼斯传》,在壁画创作中显示了他全部的智慧、体现出了他的艺术风格。画面上金、银、青等色彩的穿插使用,使整个壁画绚烂多彩。画中人物形体的塑造和中世纪骑士风度的刻画,显示出他已经超越了哥特样式的樊篱,具有独特的艺术风貌。乌切洛 (1397—1475年)帕多·乌切洛是马萨乔的学生,他是位才华横溢却缺乏毅力的人,虽然寿命很长但留下的画并不多,他的那些著名的大幅画往往是由他开个头,然后由助手去完成。他更注重研究透视学,往往以数学方式去精确计算人物之间的空间远近关系,为此废寝忘食,每当家人劝他休息时,他常回答说“啊! 这种透视法真让人迷惑不解! ”还说过“透视学是位多么可爱的情人啊! ”乌切洛对透视学的迷恋带有幻想色彩,所以现代艺术中的立体派画家对乌切洛很感兴趣。安杰利科 (1400—1455年)弗拉·安杰利科又名乔凡尼·达菲亚索莱修士,由于一位作家看了他的画以后写道:“他是一位天使般的画家”,“天使般的”这个形容词音译为“安杰利科”,人们从此称他为安杰利科,而他的原名却鲜为人知晓。安杰利科20岁入修道院,曾从师于宗教画家蒙纳科学艺,后来又转师于法布里亚诺,长期从事壁画和圣像画创作。在他的创作趋向成熟时,又倾心于马萨乔那种表现力极强的写实主义艺术手法,这使他的艺术发生又一个变化。马萨乔(1401——1428年)意大利文艺复兴时期佛罗伦萨画家。与建筑师勃鲁涅列斯柯、雕塑家多那太罗同为15世纪造型艺术的创新者。所作宗教题材世俗化的人物画能表现其性格特征。在透视学和解剖学以及色彩的运用上比乔托推进了一步,为15、16世纪意大利绘画开辟了新的途径。作品有《纳税银》、《逐出乐园》等。利皮 (1406—1469年)弗拉·菲利波·利皮曾受到过马萨乔和安杰利科的影响,在佛罗伦萨和帕多瓦等地从事艺术创作,他是位虔诚的基督徒,是佛罗伦萨统治者美第奇最宠爱的画家。这位画家生活在人文主义上升的年代,深受时代的感召,他热爱生活,也敢于接受入世生活的精神滋养,竟然与一位修女私奔成婚,他笔下的圣母圣婴,多以自己的妻儿为模特,形象生动富有生命力。

  安德列亚·德尔·卡斯塔尼奥(1419/23—1457年)卡斯塔尼奥一生艺术追求中最感兴趣的是:透视学研究和力求塑造出结构明确的真实可信的人物形象。他于1445年左右为佛罗伦萨阿波罗尼亚修道院食堂作了壁画《最后的晚餐》。画面人物和环境朴实清晰的形式感,使其成为当时的杰作。画中每个人都像雕像一般结实,但都处于静态,犹大被从门徒中分离出来,置于餐桌另一边,处在被审判的地位。这种构图和造型,表明当时画家还不能深刻描绘人物个性所致。可见科学走进绘画和世俗人性战胜神性只是刚刚开始。弗朗切斯卡 (1420—1492年)皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡,不是佛罗伦萨人,而是住在托斯卡纳地区一个小镇上。他直到后印象派大师塞尚,启发人们用新的眼光去发现色彩和造型后,才被美术史家们重视,并提高到大师的地位。弗朗切斯卡曾在佛罗伦萨住过三年,在那里研究过马萨乔、安吉利科和他的老师威涅齐阿诺等大师们的透视学原理、造型方法、光线和色彩的应用。他具有数学天才,深信只有在那些极其明晰而纯净的几何物体结构中,才能发现最美的东西,他曾写出西方美术史上第一篇艺用透视学论文,创造出弗朗切斯卡式的“建筑结构式的构图”。他从数学观念出发,把对光线和色彩的敏感与在绘画平面上再现立体空间造型结合起来,形成自己的独特画风。画家晚年特别对色彩和光线感兴趣。戈佐利 (1420—1497年)贝诺佐·戈佐利,原名迪列齐。属于佛罗伦萨画派初期的重要画家。他初师基贝尔蒂,后来又从师于安杰利科,并帮助老师完成很多壁画。他从中学到了如何处理画面透视和众多人物场面的方法,但没有依循老师那种消沉的情调,而是热衷于描绘佛罗伦萨社会生活中最繁华的民俗节日场面。这种众多人物活动的场景没有画家敢于选择,因为人物太拥挤,壁画上很难处理好,而戈佐利却独树一帜,为当时的意大利画坛所瞩目。乔凡尼·贝利尼 (1430-1516年)威尼斯画派的主要奠基人是贝利尼父子三人,即父亲雅科波、长子贞提尔、次子乔凡尼,他们最初的艺术都从佛罗伦萨画派的作品中得到启迪。成就卓著者唯乔凡尼·贝利尼,德国文艺复兴大师丢勒称他为威尼斯最卓越的画家,也有人颂扬他可与达·芬奇并驾齐驱。乔凡尼早期作品是模仿姐夫曼泰尼亚,因此风格相近,表现手法比较生硬。在15世纪50年代中,乔凡尼的艺术逐渐表现出明朗和宁静的境界,得益于研究弗朗切斯卡的成就。在乔凡尼的画中色彩受到重视,表现出强烈而润泽的效果,明暗渐进画法得到广泛的采用,他的素描也摆脱了原先的生硬呆板,人物的背景开始描绘美丽的自然风景,使画面充满田园诗意。他所描绘的人物蕴含深厚的人性,充溢着乐观的精神。他的艺术创造历程,表明他是位坚定的人文主义者,是一个诗情横溢,富于幻想的风景画奠基人,卓越的色彩画家,为两位大弟子乔尔乔内和提香的艺术发展奠定了基础,成为文艺复兴晚期威尼斯画派的宗师。

  安德列亚·曼泰尼亚是北意大利帕多瓦地方画派的代表,威尼斯文艺复兴创始人雅可布·贝利尼的女婿,画风无疑要受威尼斯艺术影响。他的艺术追求古典雕刻般的造型,具有坚实稳定性,透视技巧十分娴熟,他笔下的人物形象都像是用青铜翻铸出来一样,轮廓线精确,形象富有立体感,背景突出建筑物的宏伟,给人以冷峻的气氛。

  卡洛·克里韦利是意大利文艺复兴初期的画家,关于他的生平不详,从他这幅精致的《蜡烛圣母》可见他独具个人画风。

  这是一幅祭坛画,画家以果实和精致的饰物装扮圣母,含义是期望圣灵带给人间丰收和幸福。画家运用蛋清调配颜色画在木板上的,称为蛋彩画,画法类似北欧尼德兰盛行的细密画,极为工整细腻,使用黄色基调,产生金碧辉煌的富丽效果,圣母形象端庄秀美,整个画面人物与环境构成一幅精美的装饰图案,是圣母祭坛画中的精品之作。

  据拉斐尔的父亲--作家乔凡尼·桑蒂说过:13岁的梅洛佐·达·福尔利在艺术才能方面可和菲利波·利皮的儿子--画家菲利比诺·利皮与吉兰达伊奥相媲美。他是彼埃罗的学生,是中部意大利最有影响的画家之一,属于温布利亚画派。

  福尔利的功绩在于发展了老师彼埃罗的写实主义传统,更加强调了色彩的运用,尤其是他极为熟练地运用了透视画法,空间处理能把观赏者引入一种虚幻的境界。他所作壁画首先考虑到如何与建筑相结合,从而形成一种壮观的艺术与现实效果。

  波提切利真名叫亚历山大·菲利浦。少年时代就酷爱绘画,开始时当金银艺匠学徒,因为有绘画天资,15岁时被做皮革匠的父亲送到画家菲利浦·利皮的画室学画。利皮带着波提切利一同描绘现实生活中的人,并借鉴古希腊艺术中的理想,所以他们创作的圣母子和神话人物都具有世俗的情态:和蔼可亲、动作轻盈、身着绢纱、临风飘逸。后来波提切利又转从委罗基奥门下,与比他小7岁的达·芬奇同窗共学。27岁的波提切利决定自立门户,独立开设工作室接受社会订件。由于他曾师从利皮,因此也受美第奇喜爱和赏识,逐渐成为美第奇宫廷画家中的领袖。

  波提切利生活的佛罗伦萨,在有才能并有开放胆识的美第奇统治下,成为意大利科学文化艺术繁荣的中心。人们可以自由争论,探讨科学、研究哲学和创造艺术。人们的心扉大开着,呼吸各种新鲜的学术空气,接受各种情感的刺激,竭力去满足自己的好奇心和求知欲。美丽的图画到处可见,动人的乐曲不绝于耳,庆典与宴会充斥市井,歌舞与狂欢夜以继日。这种现实生活,为艺术家提供了取之不尽的创作素材,画家们用古希腊人的审美理念去观察自然和人生,既忠于现实,又追求理想。

  罗伦索·基贝尔蒂,出生于金匠作坊家庭,他的雕塑技巧得益于珠宝工艺的精细训练,他曾是佛罗伦萨一位著名的金银匠师贝尔托洛·德·米开列的得意弟子。他一生的艺术成就是为佛罗伦萨洗礼堂第二道门装饰门扉浮雕。晚年著有艺术史存世。

  多纳托·迪尼科罗·迪贝托·巴地,绰号叫多那太罗,出生于佛罗伦萨的纺纱工家庭,是意大利15世纪公认的最伟大雕塑家。

  多纳太罗年轻时从师于基贝尔蒂,在他的工作室里受过严格的艺术训练,由于老师是位严守哥特传统的雕刻家,这使追求自然、孤傲而有才能的弟子不能忍受。29岁时独立创作《圣乔治》,塑造了一位充满自信心和自傲感的青年英雄理想化形象,雕像全身重量压在左腿上有前进迸发出巨大冲击力量之感,雕刻家按对立方式保持躯体均衡的表现手法塑造形象。《圣乔治》问世使多纳太罗名盖佛罗伦萨,紧接着为乔托大师设计建造的独立式钟楼制作四个先知雕像,在这些雕像中人们发现都是同代人的肖像。他在制作雕像时,有时高声叫道:“你说话呀,你真该死”,他常把雕像当活人一样与它对线岁的雕刻家和同代建筑大师勃鲁内列斯奇一起赴罗马,对古代艺术作深入的考察研究,充分地继承古希腊罗马的古典艺术传统,相继创作了《大卫》等名作。57岁的大师来到帕多瓦城,在那里塑造了名作《加塔梅拉特骑马像》。10年后又回到故乡佛罗伦萨,已是68岁的老人了,他仍然从事创作。由于客观社会的变化,雕刻家思想感情和艺术观念也发生了巨大的转变,这些转变在他晚年的名作《抹大拉》中充分体现出来。多纳太罗的前期艺术核心,是直接研究人与自然为基础的新的写实手法,借鉴希腊罗马古典表现形式为基础的理想化的艺术处理方法,作品中介入作者强烈的个性化表现;晚期的创作特色,是有意追求形式上的夸张和变形,脱离古典雕像的理想美和华丽庄严气魄,强调激情,丑陋和痛苦成为他后期创作的内涵。

  卢卡·德拉罗比亚是15世纪佛罗伦萨雕刻家,我们从他的这尊《吹小号的人们》浮雕中可以发现他不仅是位雕刻家,而且是位优秀的画家。德拉罗比亚运用绘画的造型手法雕刻这一有情节的浮雕人物群像,可谓是一幅立体绘画。

  安东尼奥·德尔·波拉尤奥罗,父亲是家禽贩子,意大利语“波拉尤奥罗”为家禽贩子,因此人们戏称他“波拉尤奥罗”。是画家兼雕塑家,佛罗伦萨画派重要代表之一。

  波拉尤奥罗初学金匠工艺,后转绘画和雕刻。他是在当时的画家中最早熟知解剖知识,精确描绘人体的画家,他对科学解剖知识的探索和艺术加工的创作方法,为后代的画家开辟了现实主义的道路。

  波拉尤奥罗在艺术风格上比较接近委罗基奥,他把多纳太罗晚年那种洋溢着强烈的宗教激情,狂放的表现手法,流畅自如的外轮廓线变化与复杂的空间结构关系以及富有戏剧性情节等结合在一起,从而形成了自己的艺术风格。

  波拉尤奥罗在绘画、雕刻造型中,偏爱表现人体的各种各样动态,他能成功地塑造人物形体在空间中激烈扭动状态。这种艺术表现手法说明,波拉尤奥罗及其他同时代的美术家中,不少人对如何用写实技法来逼真地再现人体运动的状态越来越关注。

  在多纳太罗的工作室里有位勤奋而有天才的学生叫委罗基奥,他不仅学到了老师的人文主义思想,而且也掌握了老师的雕塑技艺。他多才多艺,长于金银首饰制作,精雕刻,善绘画,还是工程师和音乐家。佛罗伦萨的统治者美第奇很赏识委罗基奥的超群才能,于是成为他的主要定货人。

  委罗基奥的艺术作坊是佛罗伦萨著名的人文主义艺术工作室。一些杰出的科学家、哲学家、数学家、艺术家都是他的朋友,他精通人体解剖比例,探索和解决了许多重要的艺术课题(如素描的明暗渐进法)。他的工作室培养了文艺复兴时期最伟大的艺术家波提切利、达芬奇和基兰达伊奥。

  列昂·巴提斯太·阿尔贝蒂同勃鲁内列斯奇一样,是从古典艺术出发的建筑大师。但是,他和勃鲁内列斯奇的表现手法不同,是15世纪意大利建筑艺术中更具代表意义的建筑家。美术史家们把勃鲁内列斯奇、阿尔贝蒂、勃拉曼特和米开朗基罗四个人称之为意大利文艺复兴建筑艺术的灵魂。

  阿尔贝蒂是一个多才多艺、博学多能的人,关于他的天才、力量、灵敏和诗才早有流传,他精通法律、文学、数学、物理、音乐、艺术和体育等等,坡库尔达在《意大利文艺复兴的文化》一书中称他为“万能的天才”。

  一般说来,勃鲁内列斯奇重视的是带有方形、水平线或半圆拱的开放形的建筑空间,而阿尔贝蒂强调的是建筑物壁面的量感,他认为不应单纯追求古典的柱式,而主张把建筑作为一个完整的有机体。里米尼的圣弗朗切斯卡教堂的改建就显示了阿尔贝蒂的建筑思想,未完成的正面带有古罗马凯旋门的样式,侧面墙壁具有浑厚的量感。佛罗伦萨的圣马利亚教堂是14世纪中期完成的建筑,100 年后的15世纪中期阿尔贝蒂为该建筑设计了一个新的正面,这是一个非常成功的设计,壁面上由柱子和几何形图案加以区分,给人以和谐、安定与平稳的感觉。上层两端涡卷形的装饰,两层间带状部分的处理,以及各部的装饰都显示了阿尔贝蒂的美学观念。

  毛罗·科杜奇是威尼斯建筑世家隆巴迪家族的亲戚,15世纪末到16世纪初许多威尼斯建筑都出于他们之手,在世俗建筑和宗教建筑中,他们将佛罗伦萨的建筑风格引进威尼斯地区,与当地传统有机的结合起来。科杜奇和隆巴迪家于15世纪下半叶承建了若干宗教建筑,较为重要的有米拉科利教堂。科杜在威尼斯建造的第一座教堂是伊索拉的圣米凯莱教堂,这是一个丧葬礼拜堂,外观单纯朴素,没有五彩缤纷的装饰,更接近于阿乐伯蒂早期的教堂建筑。佩鲁吉诺 (1448—1523年)佩鲁吉诺是中部意大利安布利亚画派的画家,曾从师于弗朗切斯卡,由于他培养出“三杰”之一的拉斐尔而声望卓著。佩鲁吉诺具有深厚的人物造型功力,吸收过很多大师的艺术成就,研究过委罗基奥的笔法,后来又向尼德兰大师们的细密油画学习,在色彩方面他很敏感,能正确地掌握和使用空间透视画法,人物造型多使用曲线,形成柔美画风,这对拉斐尔有很大的影响。吉兰达伊奥 (1449-1494年)多梅尼科·吉兰达伊奥出生于佛罗伦萨金属花环制造工家庭,幼年随父亲学做金工,后来改行从事绘画与雕刻。从他的艺术风格看可能曾师从过著名雕刻家、画家波拉尤奥罗与委罗基奥。人们认为他既非新艺术的开拓者,又不是实验家,而是一位善积各家之长从而形成自己“完美”艺术风格的画家。他的艺术集 15世纪后半期意大利美术成功之大成,因在画坛享有盛誉。吉兰达伊奥的艺术有三个特征:一是他的色彩和色调的新鲜感,在当时的佛罗伦萨是第一流的;二是善于把建筑、雕塑和人物融合在统一的绘画空间里;三是在处理人物形象时重视人物个性的描绘,所以他的绘画被称之为 15世纪佛罗伦萨绘画成就的总结。吉兰达伊奥还因培养过世界上最伟大的雕刻家和画家米开朗基罗,而名垂史册。卡尔帕乔 (1450-1525年)维托雷·卡尔帕乔是威尼斯画派的叙事体画家,在绘画上深受贝利尼影响。19世纪英国文艺批评家罗斯金对卡尔帕乔画中的建筑物和画面上洋溢着的发光的基调备加赞扬。这种特色我们在他的画中举目可见。利皮 (1457-1504年)菲利皮诺·利皮是15世纪佛罗伦萨风流僧侣画家弗拉·菲利皮诺·利皮的儿子,也是佛罗伦萨著名的祭坛画大师,他的早期画风追随他父亲的学生波提切利,后来在创作上又胜于波提切利。利皮的人物画更接近现实生活,他所塑造的宗教人物,既具世俗的形貌,更具个性,人物形态有真实感,尤其善于刻画人物的面部表情,造型富有坚实的素描功力,对人体解剖知识的掌握和表现十分熟练,圣母的造型装饰仍可见他父亲和波提切利的遗风,而人物的衣褶处理具有厚实的雕塑感。他后期的人物造型比例拉长夸张,开了样式主义的先河。利皮的人物多置于复杂的自然环境,人物和风景构成世俗生活的全貌。克雷迪 (1458-1537年)洛伦佐·迪·克雷迪是 15世纪下半期到16世纪上半期意大利画家,这正是文艺复兴美术进入盛期发展时代。宗教题材世俗化,人物造型已经解决解剖透视问题。物象的质感、量感和空间感已经不是画家着力的艺术难题,画家的向光和色彩造型方面探寻,克雷迪的画风正是体现这一时代的特征。科西莫 (1461-1521年)皮耶罗·迪·科西莫,佛罗伦萨画派画家,他的《基督投胎和诸圣人》体现了佛罗伦萨15世纪末期的画风:宗教题材世俗化描绘,赞颂人性和自然,人物造型表现趋于成熟,逐渐探索色彩表现。这幅基督投胎,描绘童贞女玛利亚受上帝旨意怀孕情景,在玛利亚的头顶,俯视一只鸽子,那是圣灵显现,这是基督投胎的瞬间。基督即上帝的儿子,是上帝在人世间的代表,人类的救世主。画面按照神的对称构图形式布置人物和背景,主次分明,人物形象刻画富有外貌和精神特征,表现人们对救世主的祈望和虔诚。博尔特拉菲奥 (1467-1516年)乔凡尼奥·安东尼奥·博尔特立菲奥的卡西奥肖像,以单纯的色调和造型见长,红色的上衣配以黑色领带、衣袖,使画面产生单纯高雅的对比变化。索拉里 (1470-1524年)安德列亚·索拉里,属于威尼斯画派的艺术风格,开始探索用色彩塑造形象。画家在《绿垫圣母子》中,以特写式的半身形象描绘圣母子,主要表现母亲喂奶这一世俗情节,圣洁的母爱十分感人,活泼略带顽皮的小耶稣抱起小脚似乎想和妈妈说点什么,在这里人情、人性代替了神性。画家以细腻的笔触和色块刻画人物的肉体,并以柔软的绿色靠垫作衬托,更增加生活的温馨。用大自然作背景,注入了画家对自然美的赞颂。韦基奥 (1480-1528年)帕尔马·伊尔·韦基奥的画属于威尼斯画派的风格范畴。他的人物造型丰艳,注重人物形象和自然环境的和谐处理,这正是威尼斯文艺复兴绘画处于初期的一般特征。造型中对光和色的运用,始终是威尼斯画派画家们努力探求的方向。这是一个神与人交织的时代,也是从素描造型向色彩造型转变的时代。这一艺术现象在韦基奥的肖像画《三姐妹》和宗教画牧羊人的朝拜中均可见到。

  尼 (1480-1532年)贝尔纳迪诺·伦尼是意大利文艺复兴盛期的画家。他的绘画具有佛罗伦萨坚实的造型功力和写实主义艺术方法,色彩富有抒情性。萨沃尔多 (约1480-1548年)乔凡尼·吉罗拉莫·萨沃尔多无疑具有北方画派的特征,尤其是威尼斯画派的风格特点非常明显。达·芬奇 (1452—1519年)列奥纳多·达·芬奇是人类智慧的象征,他怀有神灵般的无限理想,试图重新创造世界的美,量度世界的广大无垠,解释世界的奥秘。可是他只有常人的生命和力量。他的抱负是发现一切、研究一切、创造一切。他的生命是一条没有走完的道路,路上是撒满了崇高的未完成作品的零章碎片,他在临终前心酸地说过:“我一生从未完成一项工作。”列奥纳多生于佛罗伦萨郊区的芬奇小镇,因此取名叫芬奇,5岁时能凭记忆在沙滩上画出母亲的肖像,同时还能即席作词谱曲,自己伴奏自己歌唱,引得在场的人赞叹不已。父亲安东尼奥律师认识到儿子的绘画才能,决定送他进佛罗伦萨艺术家委罗基奥工作室学习。在那里,他不仅接受绘画、雕刻、建筑艺术的教育,还受到其他科学的影响。芬奇在委罗基奥工作室曾经研究过鸡蛋的明暗变化关系,发现了明暗渐进画法。他在委罗基奥工作室度过了6个年头,成长为具有现代科学思想和勇于探索的人类智慧的典范。芬奇在佛罗伦萨是无法施展自己的才能的,他一心想要把他的艺术和智慧带进现实世界,光彩照人。他在31岁那年写信给米兰大公鲁多维柯·斯弗查,在信中列举了自己的各种才能,最后他还表示可为大公的父亲塑造一座骑马像,成为世界上前所未有的巨型雕像。大师41岁时完成这一巨作的土制塑像,因没有足够的铜铸造而使巨作终未完成,1499年法军入侵时被毁,否则将成为世界一大奇迹。大公对他的天才和辛勤劳动酬谢不是金币,而是金言玉语,这使芬奇十分不安,大公为了安慰他,请他为米兰格雷契寺院食堂画幅画,这就是《最后的晚餐》。如果说《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画,那么芬奇在 51岁时自米兰重返佛罗伦萨而作的《蒙娜丽莎》则无愧为世界上最著名、最伟大的肖像画。这两件誉满全球的作品使达·芬奇的名字永垂青史。达·芬奇独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。他曾说过:“绘画的最大奇迹,就是使平的画面呈现出凹凸感。”他使用圆球体受光变化的原理,首创明暗转移法(亦称明暗渐进法),即在形象上由明到暗的过渡是连续的,像烟雾一般,没有截然的分界,《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。瓦萨利认为这种明暗画法是绘画艺术的一个转折点。芬奇的一生始终在探索艺术的高贵气质,只有在美的创造中他才能感到心满意足。15世纪意大利的科学与理智、美的追求与创造,由于达·芬奇而登峰造极。可是大师的才能到了晚年并没有受到重视和赏识,教皇的冷漠使他十分伤心。1515年法兰西国王弗朗索瓦一世重新占领米兰时,邀请大师赴法国定居克鲁堡,应聘为宫廷画家。大师1519年客死异国,终年67岁。他的学生佛朗西斯柯·穆埃基说:“芬奇的死,对每一个人都是损失,造物主无力再造一个像他这样的人了。”米开朗基罗 (1475-1564年)米开朗基罗·博纳罗蒂作为文艺复兴的巨匠,以他超越时空的宏伟大作,在生前和后世都造成了无与论比的巨大影响。他和达芬奇一样多才多艺,兼雕刻家、画家、建筑家和诗人于一身。他得天独厚活到89岁,度过了70余年的艺术生涯,他经历人生坎坷和世态炎凉,使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。米开朗基罗13岁就进了佛罗伦萨著名画家多梅尼科·吉兰达伊奥的工作室,在那里他最初接触了终生所从事的神圣事业,并以神奇的速度掌握了绘画技巧。后来他又进了佛罗伦萨统治者罗伦佐·美第奇开办的“自由美术学校”,由于他的超群才华倍受罗伦佐的重视和爱护,宫廷中大量的艺术品成了他学习、研究的对象,经常出入于宫中的人文主义诗人和学者也给了他极大影响。短短四年中,他在美第奇宫里获得了一个伟大艺术家所必须具备的一切条件,为他整个艺术创作打下了坚实基础。在罗伦佐的府邸里,设有一个“柏拉图学院”,学者们聚在一起研究学问,他们在罗伦佐的支持下创立了一种新的思想体系——人文主义,他们的思想是要把世界归还给人,把人归还给他自己。把人的艺术、文学和科学,还有作为个体的独立的思想和感情归还给人,人绝不能像一个奴隶一样被捆绑在教条之上,在锁链中死亡腐朽。米开朗基罗还经常去听宗教改革家、修道士萨伏纳罗拉揭露教会黑暗的演说,这位为了拯救人类命运而不怕宗教法庭审判的修道士给他的灵魂留下了不可磨灭的烙印。罗伦佐·美第奇死后,米开朗基罗失去了保护人,佛罗伦萨陷于一片混乱,他深感故乡非久留之地,而赴威尼斯和波伦亚,6合开奖结果直播2017后转道罗马寻找发展机会。罗马到处林立古代雕像,犹如走进巨大的古代艺术宝库。23岁的米开朗基罗受法国红衣主教委托,为圣彼得教堂制作《哀悼基督》雕像。这件雕像的问世,使米开朗基罗名盖罗马,自多纳太罗之后又一颗雕刻巨星升起。26岁的米开朗基罗载誉回到故乡佛罗伦萨,便立即从事《大卫》云石雕像的制作,三年后完成,安放在韦吉奥宫正门前,作为佛罗伦萨守护神和民主政府的象征。1505年应教皇朱理二世邀请,米开朗基罗赴罗马为教皇在圣彼得教堂内建造陵墓,雕刻家历经艰辛磨难为陵墓留下名雕《摩西》和奴隶等雕像,米开朗基罗的雕塑成就,使教皇的艺术总监勃拉曼特极为妒忌,他唆使教皇暂不修陵墓,强求雕刻家去画西斯廷教堂天顶壁画,米开朗基罗以超凡的智慧和毅力完成了世界上最大的壁画《创世纪》。41岁的大师重又回到佛罗伦萨,出生美第奇家族的教皇利奥十世又强迫米开朗基罗为其祖宗圣罗伦佐陵墓制作雕像,著名的《日》《夜》《晨》《暮》雕像就是安放在这座陵墓的石棺上。已经61岁的雕刻家又被教皇召到罗马,在25年前完成的《创世纪》天顶画下的祭坛壁面上绘制《末日的审判》。米开朗基罗是人类天才、智慧和勇气的结晶,他的光荣与成就属于全人类。拉斐尔 (1483—1520年)达·芬奇的艺术深沉、含蓄、富有理智、充满智慧;米开朗基罗的艺术博大、雄伟、富有激情、充满力量;而拉斐尔的艺术则以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志。拉斐尔·桑蒂1483年生于意大利山区的乌尔宾诺小公园。父亲乔万尼·桑蒂是乌尔宾诺大公的御用画家,拉斐尔的启蒙教师。15岁的拉斐尔在波伦亚画家的画室里学习,他勤奋地探索绘画的奥秘,能敏感地捕捉住美和艺术的线岁时离开家乡乌尔宾诺到北意大利安布利亚地区的裴路基亚城,从师于佩鲁基诺。一天,佩鲁基诺对拉斐尔说:“我不想让这小地方拖住你,你要到大师云集的佛罗伦萨去,你可以独立工作了。”这时拉斐尔19岁。拉斐尔从老师那里学到了色彩感觉与透视原理,绘画技巧相当成熟,才能已超过老师。在佩鲁基诺的引导下,拉斐尔跨进了佛罗伦萨的艺术世界,很快就融入到画家群里。他那讨人喜爱的外貌和善于自持的性格,立刻就为自己开辟了艺术道路。佛罗伦萨给了拉斐尔从未有过的艺术教益。他急切地吸取着大师们作品中的成就,他以一个学生的姿态对待达芬奇和米开朗基罗。他充分利用佛罗伦萨能提供给他的一切:他研究解剖学、观察大自然和新的社会中人际关系,他对生活、对人、尤其对女性和母亲更加充满感情和爱,他既崇拜达芬奇,也尊重米开朗基罗,他要把佛罗伦萨的全部艺术精华变成自己的营养。他开始意识到自己的羽毛已经丰满了,他可以走向更高的艺术殿堂,他想到罗马去一显自己的才能,让世人看一看谁是当今意大利最优秀的画家。教皇朱理二世为了赞颂自己,把最优秀的画家、雕刻家、建筑家都请到罗马来为他服务,当时,米开朗基罗正在为他画西斯廷教堂天顶画。刚满25岁的拉斐尔,在佛罗伦萨接到罗马送来的圣旨:“教皇想尽快在梵蒂冈见到拉斐尔,以便他在罗马与意大利最优秀的艺术家一起,为美化罗马而工作。”不久梵蒂冈的画家们被告知:除了拉斐尔和米开朗基罗之外,其余的画家们全被辞退了。教皇认为罗马只要有这两位大师就足够了。天才的成就,引来繁重的订画任务,这是拉斐尔的光荣,也是他的悲剧,太大的名望终于把他压垮了。 1520年4月1日,他病了。医生为他诊断病情以后摇着头说:“您,亲爱的大师,您从年轻时候起就过着过于紧张的生活,现在受到报应了。人们都知道艺术家是一些什么都不在乎的人,他们不吝惜生命,而是让生命去燃烧。”一个星期以后的4月6日他死了。他死后的荣誉,将永远存在于他的作品之中,载入人类文明的史册。桑索维诺 (1486-1570年)雅各布·桑索维诺出生于佛罗伦萨,早年师从雕刻家安德烈·桑索维诺学习雕刻,并取了老师的姓氏。19岁时来到罗马,成为勃拉曼特圈子中的一员。在后来的20多年中,他在罗马和佛罗伦萨以建筑师的身分进行艺术活动。他在罗马修建了加迪府邸。41岁时定居威尼斯。43岁被任命为威尼斯首席建筑师,作为一名官员,他在改善城市规划做了大量工作,经他设计建造了四座主要建筑,即圣马可图书馆、造币所、圣马可小敞廊和科纳府邸大厦。勃拉曼特 (1444-1514年)意大利文艺复兴盛期建筑的真正创始人是这位勃拉曼特,他创造了构造宏伟、比例协调和精思熟虑的样式。勃拉曼特在16世纪前的艺术活动主要是在米兰。1492至1496年,他在米兰设计建造了圣玛利亚·格拉奇教堂,这座建筑带有佛罗伦萨和北意大利文艺复兴的痕迹。建筑内部采用了巨大的列柱和三个半圆形的穹窿,可以看出他很早就研究、学习了拜占庭和早期基督教的建筑。在米兰宫廷中,他曾和达芬奇邂逅,很可能是达芬奇加强了他对中央穹窿式建筑的兴趣,这对他终生的建筑活动都得益匪浅。1499年,米兰大公在与法兰西国王路易十二世的交战中败北,已经50多岁的勃拉曼特逃离米兰,和当时其他一些大艺术家在罗马宫廷为教皇服务。在这里,罗马的古代建筑遗迹使他十分激动,他反复研究并吸取了古典建筑中的许多积极因素,从而使他的建筑艺术更加成熟。他在罗马从事的最初工作是修建圣马利亚·巴契教堂的回廊。在这个两层的回廊设计中,他本着单纯、素朴的原则。下层采用圆拱形式,上层采用列柱形式。他在罗马的初期代表作品是在圣彼埃罗·莫多尼奥教堂中建造的坦比哀多礼拜堂。在这个建筑中,他大胆地革除了15世纪意大利建筑的特点,即对平面样式的强调,而是从各个方面和谐地发展了建筑物的立体感。但在圆屋顶的构造上却吸取了勃鲁内列斯奇的经验。底层是以粗壮的圆柱构成的柱廊,而中间部分的栏杆则成为圆屋顶的自然过渡,这座体积不大的建筑物由于各部分比例的恰当配合,给人以宏伟壮观的印象。勃拉曼特一生中的主要作品是受朱理二世之托设计建造的圣彼得大教堂。达维尼奥拉 (1507-1573年)贾科莫·巴罗齐·达维尼奥拉出生于意大利北部城市摩德纳附近的维尼奥拉镇。16世纪30年代中期,他到罗马考察古典建筑,于1541年到法国枫丹白露从事艺术创作活动。在巴黎他遇到了建筑师塞利奥。18个月以后,达维尼奥拉回到意大利博洛尼亚,并修建了博凯奇府邸和班基府邸,1550年重回罗马。此后他通过佩鲁齐而继承了布拉曼特的艺术风格。达维尼奥拉走的是一条比较严谨地运用古典建筑形式,而又不同于样式主义的发展道路。他一生主要作品有两座别墅 (在罗马和维泰博附近的卡波拉罗) 、四座教堂,全在罗马。阿莱西 (1512-1572年)加来亚佐·阿莱西是米开朗基罗下一辈的建筑师。他出生于意大利中部的佩鲁贾,他从师于博洛尼亚的建筑师卡波拉尼,后来到了罗马,成了米开朗基罗的追随者。然后又返回博洛尼亚开始他的建筑艺术活动,他应召去热那亚共和国,在那里修建要塞和城市建筑。瓦萨里(1511-1574年)瓦萨里曾从学于米开朗基罗,是一个优秀的建筑艺术家和美术理论家。他一生的作品虽然并不太多,但却对样式主义美术的进一步发展有一定的影响。当时的许多样式主义美术家在他的指导下形成了一种富有想象力的、在形体和空间处理上远离现实的艺术风格。同时,他作为一位美术理论家,曾用生动的文笔记录了意大利文艺复兴大师们的生平轶事,为后世提供了真实可信的研究资料。他的名著《意大利美术家列传》至今还是脍炙人口的美术家传记读物。帕拉迪奥 (1508-1580年)安德烈·帕拉迪奥出生于帕多瓦的一个磨坊主家庭。他14岁开始学雕刻,17岁离开家乡,到距帕多瓦不远的古城维琴察,为两位雕刻家工作十多年。30岁的帕拉迪奥结识了诗人、哲学家、人文主义者特拉西诺,在他的帮助下来到罗马,潜心学习研究古典建筑,同时深受勃拉曼特艺术的影响。帕拉迪奥的建筑艺术是在纯正的维特鲁威和勃拉曼特的系列氛围中成长起来的,他虽然一度受到米开朗基罗和样式主义的影响,并研究过罗马诺的作品,但对同时代的维尼奥拉更为推崇。帕拉迪奥是16世纪意大利最后一位建筑大师,他的艺术对欧洲,特别是对美国建筑具有决定性影响,他和维尼奥拉被认为是17世纪古典主义建筑原则的奠基者。帕拉迪奥认为建筑美来自美丽的形状、来自整体和局部的比例,以及来自局部与局部的比例;因此,建筑将像一个单纯的、完美的人体。他追求建筑物端庄、朴素而又高贵的气质,推崇集中式布局,偏爱白色。他说:“最优美、最规则的形状是圆形和正方形,其他形状是由它们导出的。”还说:“在全部色彩中,最适合于神殿的是白色,因为这种色彩的纯洁,正如生活的纯洁一样,上帝是最喜爱的。”乔尔乔内 (1477-1510年)原名乔尔乔·巴巴雷里·达卡斯特弗兰柯。出生于威尼斯附近的卡斯特弗兰柯小镇,后来迁居威尼斯,他追求个性解放和享受生活乐趣,长于谈吐,善于交往。他热爱自然,喜欢唱歌,弹得一手好竖琴,他的笛声能引得少女神魂颠倒。瓦萨利在他死后30年写道:“大自然赋予他如此轻而易举和顺利成功的天姿;他的油画和壁画中的色彩忽而活泼鲜明,忽而柔和平稳,并且把从明到暗的过渡画到如此程度,以至于当时的许多优秀大师都承认他是一个生来就使人体富有生气的画家。”他对大自然的色彩变化有着超凡的敏锐洞察能力和表现能力,他的目光能透过千变万化的阳光,捕捉到色彩变化的精髓,并且能生动地呈现在画布上。由于他画了美丽的威尼斯,人们这才发现威尼斯光彩绮丽的美,他用天才的笔触画出青翠的山坡和陡峭的悬崖,人们这才注意到威尼斯风景所呈现出的明暗差别,怪不得有人说威尼斯的美是乔尔乔内画出来的。


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